- Der Symbolismus reagiert gegen Realismus und Naturalismus und bevorzugt Suggestion, Musikalität und „Entsprechungen“.
- Es entstand in der Poesie (Baudelaire, Rimbaud, Verlaine, Mallarmé) und weitete sich mit einer starken traumhaften und spirituellen Ladung auf Malerei, Theater und Musik aus.
- In der bildenden Kunst werden antinaturalistische Kompositionen, symbolische Farben und Motive wie die Femme Fatale durchgesetzt; man tendiert in Richtung Jugendstil.
Der Symbolismus war mehr als eine Modeerscheinung; er war eine ästhetische und sinnliche Revolution , die Ende des 19. Jahrhunderts in Literatur und Kunst Fuß fasste. Er entstand in Frankreich und Belgien als direkte Antwort auf Realismus und Naturalismus, die die objektive Beschreibung des Alltags bevorzugten. Die Symbolisten wandten sich einer anderen Richtung zu: dem Geheimnisvollen, den Träumen und der Intuition.
Die Idee verbreitete sich rasch von der Poesie auf andere Disziplinen: Malerei, Theater und Musik. Seit Jean Moréas’ Manifest von 1886 setzte sich die Bewegung für Andeutungen statt Erklärungen ein , erforschte verborgene Entsprechungen zwischen Sinnlichkeit und Spiritualität und bediente sich, wenn nötig, eines musikalischen, vieldeutigen und hermetischen Schreibstils. Ihr Einfluss erstreckte sich über ganz Europa und die spanischsprachige Welt, knüpfte an die Moderne an und prägte Autoren in Spanien und Lateinamerika.
Was ist literarische Symbolik?
In der Literatur argumentiert der Symbolismus, dass tiefgründige Wahrheiten nur indirekt erschlossen werden können: durch Schlüsselsymbole , Metaphern, Atmosphäre und Andeutungen. Moréas definierte sein Programm als Gegenentwurf zu Didaktik und bloßer Beschreibung; die Poesie solle „die Idee in wahrnehmbare Form kleiden“, ohne sie jedoch zu erschöpfen. Dies brachte ihn näher an das von Théophile Gautier popularisierte Motto der Kunst um der Kunst willen heran und distanzierte ihn vom demonstrativen Eifer des Naturalismus.
Die symbolistische Poetik sucht nach den berühmten „Korrespondenzen“ Charles Baudelaires: jenen Entsprechungen zwischen Sinnen und Geist , die wir durch Synästhesie und die Musikalität der Sprache erfassen. Absolute Klarheit wird durch Anspielung, Doppeldeutigkeit und einen Sprachrhythmus ersetzt, der als Instrument der Erkenntnis dient.
Historischer Kontext und Ursprünge
Der Symbolismus entstand als postromantische Reaktion auf den Positivismus des industrialisierten Europas. Im Gegensatz zur Verherrlichung des Alltäglichen stellten junge Pariser Schriftsteller die Fantasie und Spiritualität in den Vordergrund. In diesem fruchtbaren Boden markierte das Werk von Charles Baudelaire – mit „Die Blumen des Bösen“, „Kleine Prosa-Gedichte“ und „Das künstliche Paradies“ – einen Wendepunkt: Seine thematische Kühnheit (Drogen, Sexualität, düstere Visionen) wurde zunächst als unmoralisch verurteilt, ebnete aber letztlich den Weg.
Aus dem Parnassismus – der von formaler Perfektion besessen war – spaltete sich eine Gruppe ab, die diese Hingabe an ausgefeilte Verse nicht teilte. Die Symbolisten wandten sich dem Hermetismus und einer freieren Verskunst zu, behielten aber Merkmale wie die Vorliebe für Wortspiele, Musikalität und das Motto „Kunst um der Kunst willen“ bei. Die Spaltung wurde deutlich, als Rimbaud und andere den parnassischen Perfektionismus in burlesker Manier satirisch darstellten.
Den entscheidenden Anstoß gaben die sogenannten verfluchten Dichter : Arthur Rimbaud, Paul Verlaine, Tristan Corbière, der Graf von Lautréamont… Verlaine popularisierte den Begriff in seinem Buch „Die verfluchten Dichter“, in dem er betonte, wie das einzigartige Genie jedes Autors zugleich seine soziale Verdammnis war, die sie zu tragischen Leben und einem eigenwilligen und hermetischen Schreibstil trieb.
Rimbaud suchte bereits mit 17 Jahren seine berühmte „Alchemie der Sprache“ durch die „Störung der Sinne“. Sein unkonventionelles und provokantes Leben machte ihn zum „Enfant terrible“ der Dichtung. Stéphane Mallarmé hingegen versammelte wöchentlich Anhänger in seinem Haus und verkörperte das intellektuelle Herzstück des Symbolismus, indem er die Sprache in Werken wie „Ein Würfelwurf wird den Zufall niemals abschaffen“ zu beispiellosen Grenzen trieb.
Merkmale und Ästhetik der Symbolik
Die Bewegung erkundet Bereiche, in denen die Vernunft keine Autorität besitzt: das Traumhafte, das Spirituelle und das Fantastische . Themen wie Einsamkeit, Tod, Entfremdung, Erotik und die Faszination für die Natur werden durch einen subjektiven Blick gefiltert, wobei suggestive Bilder und eine bisweilen schwer fassbare Syntax zum Einsatz kommen.
In der Poesie strebten die Symbolisten nach höchster Musikalität : Alliterationen, einhüllende Rhythmen und Zeilensprünge, die die Atmosphäre trugen. Synästhesie wurde zu einem zentralen Ausdrucksmittel – Farben, die klangen, Düfte, die Gestalt annahmen – und Mehrdeutigkeit wurde als Ausdrucksmittel und nicht als Makel betrachtet.
Die symbolistische Prosa hatte weniger Einfluss als die Lyrik, hinterließ aber wichtige Werke: Joris-Karl Huysmans' Gegen den Strich – ein Kultroman mit kaum Handlung, der Oscar Wilde so sehr faszinierte, dass er Passagen in Das Bildnis des Dorian Gray inspirierte; Villiers de L'Isle-Adams Grausame Geschichten ; und ein Theater traumhafter Akzente, in dem Axël (Villiers de L'Isle-Adam) und Wildes Salomé herausragen.
Ein ikonisches Motiv dieser Epoche ist die Femme fatale , in der Eros und Thanatos ineinandergreifen; neben ihr existieren Symbole wie Lilien (melancholische Zartheit), Schwäne (Reinheit), Pfauen (Schönheit und Eitelkeit) oder Landschaften , die die Einsamkeit der Seele zu verkörpern scheinen.
Wie man Symbole interpretiert, ohne zu übertreiben
Symbolik macht nicht alles zur Allegorie. Wie zeitgenössische Gelehrte und Lehrer betont haben, kann ein und dieselbe Farbe – beispielsweise Rot – Leidenschaft, Liebe oder Blut symbolisieren, und Weiß kann sowohl Reinheit als auch Tod bedeuten; der Kontext bestimmt die Bedeutung. Das Erzwingen universeller Interpretationen verarmt das Leseerlebnis.
Eine differenziertere Herangehensweise an Symbole besteht darin, ihre Funktion im Text zu betrachten : ihr Wiederauftreten, ihre Wechselwirkung mit Szenen und Figuren sowie das Bedeutungsnetzwerk, das sie aktivieren. Nehmen wir beispielsweise das wiederkehrende Motiv des Mondes , das bei seinem erneuten Erscheinen Erinnerungen oder verdrängte Aspekte einer Figur freilegt; in diesem Fall entsteht die Assoziation im Verlauf des Werkes, sie ist nicht vorbestimmt.
Bildsymbolik und andere Künste
In der bildenden Kunst und im Film reagierte der Symbolismus auf Naturalismus und Impressionismus, die eine beinahe wissenschaftliche Objektivität anstrebten. Symbolistische Maler entdeckten den Sinn der Kunst wieder: ihre Fähigkeit, tiefe Emotionen hervorzurufen und eine Verbindung zum Spirituellen herzustellen. Daher rührt ihre Vorliebe für satte Farben oder, in anderen Fällen, für gedämpfte Pastelltöne, die die traumhafte Qualität verstärken.
Die Bewegung entwickelte sich nicht zu einem einheitlichen Stil. Stattdessen herrschte eine Sprache linearer und ornamentaler Formen , antinaturalistischer Kompositionen und ein starkes Interesse an der Autonomie des Bildes im Verhältnis zum Sujet vor. Dieses Formenvokabular nimmt in vielerlei Hinsicht die Ästhetik des Jugendstils vorweg.
Technisch gesehen eint diese Künstler ihr Bestreben, die Malerei nicht der mimetischen Wiedergabe der Realität zu unterwerfen. Jedes Werk ist als Symbolsystem mit offenen Interpretationsmöglichkeiten konzipiert, dessen Bedeutung ebenso sehr von der Perspektive des Betrachters wie von der Intention des Künstlers abhängt.
Schulen und Gruppen: Pont-Aven und die Nabis
Ab 1873 zog das bretonische Dorf Pont-Aven Studenten der École des Beaux-Arts aus Paris an. 1886 traf Paul Gauguin ein, und zwei Jahre später formierte sich eine Künstlergruppe, die 1889 im Café Volpini ausstellte. Sie propagierten den freien Umgang mit Farbe – wenn der Künstler das Gras rot „fühlte“, malte er es rot – mit großen Farbflächen und flächigen Lasuren sowie mit Cloisonismus (klar definierten Konturen). Zu den bekanntesten Namen zählten Émile Bernard, Charles Laval, Meijer de Haan, Paul Sérusier, Émile Schuffenecker, Cuno Amiet, Louis Anquetin und Roderic O’Conor.
Die Nabis – hebräisch für „Propheten“ – bildeten die zweite Welle: junge Künstler, die, in Gauguins Fußstapfen tretend, einen dekorativen Malstil propagierten . Sie nutzten diverse Materialien (Farbe, Klebstoff, Pappe), um Texturen zu erzeugen, entwarfen Glasfenster und verbreiteten ihre Werke durch Lithografien und Kupferstiche . Sie arbeiteten im Auftrag von Theatern, für Buchumschläge und Zeitschriften, was ihre Bekanntheit steigerte und gleichzeitig die Vorstellung eines einzigartigen Werkes verwischte. Zu ihren prominentesten Vertretern zählten Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Maurice Denis, Félix Vallotton, Ker Xavier Roussel, Henri-Gabriel Ibels und Paul Ranson; zudem sind sie aufgrund ihrer Affinität mit den großen Symbolisten Gustave Moreau, Odilon Redon und Puvis de Chavannes verbunden.
Ausgewählte Länder und Künstler
In Frankreich glänzt Gustave Moreau (Jupiter und Semele, Europa und der Stier, mythische und religiöse Szenen mit dichter Atmosphäre), Pierre Puvis de Chavannes (Der arme Fischer, Heiliger Hain, Die Musen inspirieren; nüchterne Zeichnung, große Farbflächen) und Odilon Redon , der „reinste“ der Symbolisten, der sich mit Serien in Schwarzweiß und später in Farbe dem Magischen und Visionären widmete (Der Traum, Die Sphinx, Die Geburt der Venus).
Im germanischen und österreichischen Kunstraum ragt Gustav Klimt mit Werken wie „Der Kuss“, dem Beethovenfries, „Pallas Athene“, „Judith I.“, „Die drei Lebensalter der Frau“, „Nuda Veritas“ und „Danaë“ heraus, ebenso wie Franz von Stuck („Die Sünde“). In Belgien verkörpern Jean Delville , Fernand Khnopff und William Degouve de Nuncques einen Kult des Mysteriösen und treten in die Fußstapfen von Félicien Rops . Der niederländische Künstler Jan Toorop ist eine Schlüsselfigur in enger Verbindung zu Klimt.
In Italien basierte der Symbolismus auf akribischem Realismus (Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Pellizza da Volpedo). In der deutsch-schweizerischen Welt ragt Ferdinand Hodler heraus , und in den nordischen Ländern findet sich eine strenge und zurückgezogene Vision bei Vilhelm Hammershøi , Harald Sohlberg , Thorárinn B. Thorláksson und Magnus Enckell ; die finnische Ausnahme bildet Akseli Gallen-Kallela , dessen Werk stark mythologisch geprägt ist.
Zu den weiteren Schlüsselfiguren des Symbolismus zählen Carlos Schwabe (Muffel und Ideal, Die Hochzeit des Dichters und der Muse), Leon Spilliaert (Die Überfahrt), Edward Robert Hughes (Ein Traumidyll), Herbert James Draper (Ikarus’ Klage) und Karl Wilhelm Diefenbach , der seine utopische Vision auf Capri projizierte . In Spanien fand der Bildsymbolismus durch Manuel Bujados (in der Zeitschrift La Esfera) und Néstor Martín-Fernández de la Torre , den manche als „den letzten Symbolisten“ betrachteten, Anklang.
Wesentliche Autoren und literarische Werke
Der symbolistische Kanon stellt Charles Baudelaire (1821–1867), einen unbestreitbaren Vorläufer, in den Vordergrund; den Grafen von Lautréamont (Isidore Ducasse, 1846–1870), den Autor der Lieder von Maldoror und späteren Wegbereiter des Surrealismus; Stéphane Mallarmé (1842–1898), der neuen Abstraktionen poetische Form verlieh (Ein Würfelwurf…); Arthur Rimbaud (1854–1891) mit Eine Saison in der Hölle und Illuminationen; und Paul Verlaine (1844–1896), einen Dichter von unverkennbarer Musikalität (Gestern und Heute sowie Die verfluchten Dichter).
Das Erbe wird fortgeführt von Jean Moréas (dem Verfasser des Manifests), Albert Samain , Germain Nouveau und zu Beginn des 20. Jahrhunderts von Paul Valéry (1871–1945), der die Idee der „reinen Poesie“ verkörperte und Werke wie „Ein Abend mit Monsieur Teste“ und „Der Friedhof am Meer“ hinterließ. Sein poetisches Denken beeinflusste Dichter vom Kaliber eines Rilke, Adorno, Octavio Paz und Derrida.
In der hispanischen Welt verschmolz Symbolik mit der ModernismoEs gab Präzedenzfälle auf der Halbinsel (Gustavo Adolfo Bécquer, Salvador Rueda) und vor allem eine Expansion in Lateinamerika: Julian del Casal y Jose Marti in Kuba; Jose Asunción Silva in Kolumbien; Manuel Gutierrez Najera in Mexiko; Leopoldo Lugones in Argentinien; Julio Herrera und Reißig in Uruguay; Ricardo Jaimes Freyre, Amado Nervo, Salvador Diaz Mirón, Guillermo Valencia y José María Eguren in verschiedenen Ländern; und als Großhändler in Spanien Rubén DaríoAuf der Halbinsel kultivierten sie diese Sensibilität Antonio und Manuel Machado, Juan Ramon Jimenez, Francisco Villaespesa y Ramón Pérez de Ayala.
Symbolismus und Parnassianismus
Der Symbolismus kann als kritischer Ableger des Parnassismus verstanden werden. Beide Bewegungen teilen die Wertschätzung für sprachliche Kunstfertigkeit, Wortspiele und Musikalität sowie das Ideal der Kunst um der Kunst willen. Die Symbolisten lehnten jedoch den Kult des „perfekten Verses“ ab und bevorzugten stattdessen hermetische Atmosphären , suggestive Bilder und einen ausgeprägteren Subjektivismus. Die Spaltung wurde unumkehrbar, als Rimbaud und andere die Parnassier mit einprägsamen Parodien verspotteten.
Musik und Theater: die Stimme des Unaussprechlichen
Die symbolistische Musik wurde von der Faszination für Richard Wagner (1813–1883), einen Leser Schopenhauers, beflügelt. Sein „deklamatorischer Gesang“ brach mit festen Formen, und das Orchester hörte auf, die Stimme lediglich zu begleiten, und wurde stattdessen zum dramatischen Akteur. Sein letztes Drama, Parsifal (1882), offenbarte die beinahe mystische Dimension, die Schriftsteller und Musiker des Symbolismus in ihren Bann zog.
Die Zusammenarbeit zwischen Dichtern und Komponisten war intensiv: Maeterlincks Gedichte inspirierten Ernest Chausson (Serres chaudes, 1893–96), Gabriel Fauré vertonte Verlaine (La Bonne Chanson, 1892–94) und Claude Debussy schuf sein Prélude à l'Après-midi d'un faune (1894) nach Mallarmé. Der Mythos von Pelléas et Mélisande brachte Partituren von Fauré, Debussy, William Wallace, Arnold Schönberg und Jean Sibelius (1898–1905) hervor.
Neben ihnen kreisen Autoren, die, ohne streng genommen Symbolisten zu sein, einen Teil ihrer Ästhetik assimilierten: Saint-Saëns oder Paul Dukas, die an der sinfonischen Dichtung arbeiteten, und der Russe Alexander Skrjabin , der aus einer sehr persönlichen Mystik heraus Korrespondenzen zwischen Klängen und Farben verfolgte.
Die Oper, durch ihren kollaborativen Charakter (Dichter, Musiker, Regisseur, bildende Künstler), näherte sich dem vom Symbolismus angestrebten „Gesamtkunstwerk“ an. Eine strikt „symbolistische Musik“ zu definieren , ist jedoch schwierig: Die Kategorie ist, wie die aktuelle Forschung zeigt, fließend, und die symbolische Dimension liegt möglicherweise eher in der Dramaturgie und den Texten als in der musikalischen Technik. Dennoch ist eine Vorliebe für neuartige Klangfarben, eine Vervielfachung der Halbtöne und stimmungsvolle Atmosphären unverkennbar.
Ikonographie, Themen und gemeinsame Ressourcen
Jenseits der Femme fatale – in der Eros und Thanatos sich umarmen – umfasst das Repertoire des Symbolismus bedeutungsvolle Blumen und Tiere (Lilien, Schwäne, Pfauen), psychische Landschaften, biblische oder mythologische Visionen und eine Religiosität, die mit dem Mystischen und Okkulten kokettiert . Malerei wird als Mittel verstanden, Stimmungen, Ideen und intime Obsessionen auszudrücken.
Die Farbpalette vereint leuchtende Farben, die das Übernatürliche verstärken, mit sanften Pastelltönen , die auf andere Weise denselben Effekt erzielen. Die lineare und ornamentale Zeichnung, die unnatürliche Komposition und die Vereinfachung der Formen verstärken diese traumhafte, fast zeitlose Atmosphäre.
Brücken zu anderen Strömungen und zum Erbe
Der Symbolismus tritt in Dialog mit der Romantik (von der er die Sehnsucht nach dem Absoluten und der gesteigerten Subjektivität erbt) und wendet sich gegen den Materialismus der Industriegesellschaft. Er dient als Vorläufer des Jugendstils – der seine Sensibilität auf den Alltag überträgt – und der Avantgarde-Bewegungen des 20. Jahrhunderts, beginnend mit dem Surrealismus . Er beeinflusste auch die Bildhauerei (mit Rodin und später Aristide Maillol, Émile Antoine Bourdelle, Adolf von Hildebrand und Medardo Rosso) und prägte Schulen wie die bereits erwähnte Schule von Pont-Aven und die Nabis.
In Spanien und Lateinamerika ist ihr Erbe vor allem in die Moderne integriert, reicht aber auch bis zu späteren Autoren, die eine „reine Poesie“ oder eine Prosa mit psychologischer Atmosphäre anstrebten. In der Kunstkritik und -geschichte bleibt der Begriff „Symbolismus“ ein weit gefasster Oberbegriff für vielfältige Praktiken, ein „Konglomerat individueller Begegnungen“ und kein abgeschlossener Stil.
Diese Tradition erinnert uns daran, dass es, wenn wir uns dem Absoluten annähern wollen, manchmal am besten ist, das Werk durch Andeutungen sprechen zu lassen, ohne alles auszusprechen . Zwischen verborgenen Entsprechungen, leuchtenden Farben und pulsierenden Versen verwandelte der Symbolismus die Kunst in einen privilegierten Weg, um hinter die Fassade zu blicken und so die Selbstzufriedenheit seiner und unserer Zeit in Frage zu stellen.
